Фотография конца xix — начала xx века из коллекции росфото. Интерьер в русской графике XIX — начала XX века Развитие фотоискусства в России

Полным, точным и объективным документом фотография стала очень давно, ещё на заре своего развития. Можно даже сказать, что на стадии зарождения. Например, ещё в 1849 году газета «Нэшнл Газетт», выходившая в то время в Филадельфии, писала, что совсем скоро фотографы со своей аппаратурой будут свободно посещать различные иностранные государства, королевские дворы Европы, пирамиды Гизы, Святую землю в Иерусалиме, Красное море… Из таких своих поездок фотографы будут привозить точное представление обо всех этих культурных объектах и удивительных уголках мира. И обывателям совсем не нужно будет тратить огромные деньги на дальние поездки для того, чтобы полюбоваться всем этим великолепием воочию. «Не смогут почки на дереве набухнуть и расцвести, не сможет цветок разбросать семена или овощи распустить побеги без того, чтобы эти замечательные процессы не были запечатлены на точной фотографии» - писал безвестный журналист «Нэшнл Газетт» в середине позапрошлого века.

В пятидесятых-шестидесятых годах 19 века статус фотографии раскрывается особенно ярко. И проявляется он в основном в ее взаимоотношениях с изобразительным искусством. Появившийся совершенно новый процесс получения изображения на плоскости - фотография - дал толчок ударной волне, которая достаточно быстро всколыхнула весь мир современного искусства. Конечно же, первыми своего соперника в лице фотографии увидели художники. Над художниками, книжными графиками и прочими иллюстраторами нависла реальная угроза потери заказов и безработица. Эта угроза казалась им очень серьезной, ведь художественный идеал детальнейшего реализма в воспроизведении натуры при помощи фотографии в те годы был практически полновластным. Известный художник Деларош с печалью, но, тем не менее, с приятным возбуждением сказал тогда: «Отныне живопись умерла». Ну а сейчас, живя в 21 веке, мы прекрасно видим, что пророчество Делароша, к счастью, не сбылось. Но, тем не менее, очень точны были и другие его мысли. Он ещё тогда предвидел и говорил, что фотография отвечает всем требованиям изобразительного искусства, и заключает в себе все его принципы, которые ведут к совершенству.

Давно бытует такое мнение, что, якобы, те, кто по тем или иным причинам не смогли стать художниками, становятся фотографами. Но на заре развития фотографии всё происходило как раз с точностью до наоборот. Художники, которые сумели в нужный момент уловить в фотографии реальные признаки нового зарождающегося искусства, почувствовав перемены времени, без сожаления изменили своей профессии и стали осваивать новый для того времени процесс получения изображения - фотографическую технику. Ну, и, попутно, между делом, заодно и художественное оформление фотографий. А это достаточно серьезно усилило конкуренцию художникам-графикам. Очень многие фотографы того времени были профессиональными художниками, граверами, по мере развития фотографии ретушерами, но потом оставляли эту свою работу и полностью посвящали себя фотографии. Даже очень известные художники тех лет занимались раскрашиванием черно-белых фотографических снимков. Именно их сегодня можно назвать предшественниками разработчиков современных графических редакторов. В ту пору для раскрашивания фотографий использовали гуашь, анилиновые краски, акварель с добавлением белил и многое другое. Первые раскрашенные черно-белые фотографии были очень похожи на нежные акварельные картины. Такая техника создавала у зрителя впечатление нежности и прозрачности рассматриваемой им работы. В ту же пору появилась и техника альбуминовых отпечатков - мягкой сепии. Бромсеребряные отпечатки отличались своей черно-белой строгостью и лаконичностью. Обе эти техники к концу 19 века успешно сосуществовали между собой и ничуть не соперничали с раскрашенными вручную фотографическими отпечатками.

Посмотрите на эту уникальную фотографию, которая является плодом совместного творчества фотографа и художника. На ней изображен вид Венеции ночью. Эта фотография - панорама Большого канала - была тонирован вручную. Снимок был сделан днем. Солнце, зафиксированное на фотопластинке фотографом, опытный художник-раскрасчик превратил в Луну. В итоге их совместного творчества мы видим романтический ночной пейзаж.

В конце позапрошлого века раскрашенная акварелью фотография переживает резкий подъем и широкий успех. Она становится очень популярным и, к тому же, недорогим для потребителя видом искусства. И те, кто не располагает финансами для того, чтобы предпринять путешествие в дальние страны, но хотели бы такие поездки совершить, охотно приобретали подобные работы - раскрашенные фотографии. Так сказать, совершали виртуальную поездку, виртуальную экскурсию или даже паломничество с помощью фотографии.

События, так благоприятно развивающиеся для фотографии, оказало ей ничем неоценимую услугу: во всем мире появилось очень много прекрасных фотографов и раскрасчиков, которые «набили руку» в этом популярном деле, которые поняли важность ее художественного оформления, грамотно построенной композиции.

Очень враждебно в ту пору относился к искусству фотографии и к фотографии вообще Шарль Бодлер, известный французский поэт и литературный критик. Он очень сильно осуждал измену художников своему творчеству и даже говорил о том, что в мире искусства возникла некая коррупция. Вокруг фотографии была создана плотная атмосфера незаконности. Это даже сегодня имеет место быть - многие иллюстраторы наших дней активно выступают против того, чтобы все узнали, насколько их знания, владение информацией, а порой и творческое вдохновение зависит от фотографии.

Широкое распространение фотографии в пятидесятых-шестидесятых годах 19 века наложилось на всплеск работ по реставрации известных в мире памятников архитектуры, шедевральных живописных полотен и произведений классиков скульптуры. Фотографы стали помогать ученым, в основном археологам и реставраторам. Они занимались фотофиксацией обнаруженных при раскопках древних предметов и артефактов, всевозможных захоронений и прочих находок. Фотографам так же очень часто поручалась и систематизация археологических находок и произведений искусства.

Ближе к концу позапрошлого столетия стало востребованным фотографирование местности и ландшафтов при проведении различного рода топографических работ, так как началась глобальная перестройка крупнейших городов мира.

К тому времени в фотоискусстве стали прорисовываться различные его жанры. Эти жанры в основе своей были унаследованы от других, более старых видов изобразительного искусства. Но, тем не менее, многие фотографы по-прежнему продолжают репродуцировать монументальные живописные полотна. Несмотря на то, что в фотографии пока ещё отсутствовал цвет, такие фоторепродукции позволяли достаточно хорошо передать зрителю всё величие оригинала, всю глубину пространства, изображенного на картине, представить цвет, почувствовать фактуру изображенного предмета или объекта, будь то здание, пейзаж, или какой-то предмет…

Резкий скачок в развитии фотографии как изобразительного искусства произошел в конце 19 века в Венеции, на севере Италии. И это немудрено, что именно там. Ведь Венеция - это настоящий город-музей, где каждый дом, каждый дворец, каждый из многочисленных мостов - настоящие шедевры архитектуры. Произведениями искусства можно назвать практически любую из венецианских улиц.

Богатыми на открытия в фотографии были и последующие после середины 19 века годы. Тогда уже практически каждая семья могла позволить себе иметь дома стереоскоп и набор открыток для просматривания через него, так называемых стереопар. Особо популярны были стереопары с изображением видов городов, красивых пейзажей, исторических зданий, музейных залов, интерьеров дворцов и других достопримечательностей. Всё это, как мы уже говорили, заменяло далеко не дешевые путешествия в дальние и неизведанные страны. Выпускались стереопары и простые открытки с эротическими сюжетами. Такой подход к фотографии, в общем-то, сохранился и до сегодняшних дней. Правда, фотография стала цифровой, виртуальной, существующей на экране монитора. А снимок, напечатанный на бумаге, превратился в некий, своего рода, как сейчас принято говорить, винтаж.

Фотографическая открытка появилась в широком обиходе примерно в восьмидесятых-девяностых годах 19 века. Помимо того, что на такой открытке можно было увидеть интересные фотографии, на которых запечатлены красоты далеких стран, ее можно было почтой или иными другими путями послать друзьям или родным в другой город с добрыми пожеланиями, написанными на обороте. А можно было и самому сфотографироваться на фоне достопримечательностей… Сегодня же для такого «привета» достаточно недорогого мобильника в кармане любого, даже совсем небогатого человека или вообще школьника…

В годы появления фотографических открыток предприимчивые книгоиздатели открыли для себя новые широкие возможности для получения прибыли от издания иллюстрированных фотографиями различного рода путеводителей по историческим местам мира. Фотографы по их заказам стали активно фотографировать достопримечательности городов разных стран. Причем тех стран, которые были далеки от страны, где планировалось издавать путеводитель. Ведь поездка в далекие страны была доступна далеко не всем, стоила, как сейчас говорят, бешеных денег… А путеводитель купить было намного дешевле. Вот так и начал свой триумф по всему миру жанр фотопутешествия. Он и сейчас жив и включает в себя практически всю палитру фотографических жанров.

В середине позапрошлого столетия стали так же появляться большие издательские дома. А параллельно с ними начала развиваться сеть небольших частных фотоателье и фотомастерских. Как пишут исследователи фотографического искусства, ссылаясь на очевидцев и современников, в Венецианской области в пятидесятые годы 19 века свой фотограф был практически в каждой захудалой деревеньке. Сегодня же, как мы уже говорили чуть выше, мобильный телефон со встроенной фотокамерой есть у каждого школьника в каждой деревне, не говоря уж о городах и других населенных пунктах. Тем не мене, это совсем не означает того, что каждого из владельцев мобильников можно назвать фотографом.

И вот наступил двадцатый век. С его началом в среде фотографов начались грандиозные споры о том, возможно ли и нужно ли исправлять фотографический снимок или даже изменять в нем что то. И в какой вообще степени это вообще возможно и нужно делать. Сейчас на дворе уже 21 век. Но споры эти до сих пор не утихли, они периодически возвращаются и будоражат умы всего мирового фотографического сообщества. Что можно считать произведением искусства, а что просто фотографией? Где проходит граница между тем и этим? Если фотографическое изображение не было подвержено какому-либо вмешательству со стороны фотографа, может ли оно считаться неповторимым и оригинальным? Можно ли его назвать произведением искусства? Как считает большинство искусствоведов и теоретиков фотографического искусства, да и сами фотографы, конечно же можно. Более того, именно в этом и заключается мастерство фотографа, его чутье, чувство меры, владение композицией и другими изобразительными средствами фотографии.

Но давайте, все же, опять перенесемся на 150 лет назад. Вот что в 1913 году писал известный английский фотограф Элвин Лэнгдон Кобурн: « Я хочу максимально ясно подчеркнуть, что не верю ни в какую дополнительную работу и ни в какие манипуляции с фотографическими негативами и отпечатками». А вот американка Энн Бригман, тоже не менее известный фотограф конца 19 - начала 20 веков, пропагандировала полностью противоположный подход к искусству фотографии. Она была яростной сторонницей активного вмешательства в фотографическое изображение. Энн Бригман со своих оригинальных негативов делала дубль-позитивы, вносила в эти дубли всевозможные изменения, дорабатывала их вручную, после чего делала с них новые негативы, с которых, в свою очередь, уже и печатала конечный вариант снимков. «Гравировальный инструмент - один из моих ближайших союзников - писала Энн Бригман - Им я уничтожаю всё бесполезное. Я далеко отошла от прямой и узкой тропинки непосредственной фотографии».

Сегодня фотография всё увереннее и увереннее завоевывает мир искусства. И не только искусства, а и сферу документалистики, мир воспоминаний о прошлом любой семьи, любого общества. О всех значимых и не очень событиях в жизни людей.

Французский мастер фотографии Густав Ле Ге, бывший одним из самых влиятельных фотографов 19 века, несмотря на то, что его карьера длилось всего лишь немногим более десяти лет, считал, что будущее фотографии заключается совсем не в ее дешевизне, как думали тогда многие, а в качестве изображения. Ле Ге говорил, что если снимок будет долговечным, законченным, просто хорошим, то он, несомненно, приобретет непереходящую ценность, едва ли сравнимую со своей собственной себестоимостью. «Со своей стороны выражаю желание - говорил великий французский фотограф - чтобы фотография, вместо того, чтобы впасть в бездну промышленности или коммерции, могла оставаться искусством. Лишь в искусстве ее подлинное место, и я всегда буду стремиться к тому, чтобы фотография оставалась именно в этом направлении». Годы жизни Густава Ле Ге - 1820-1882. Как нам кажется, слова его стали пророческими.

Тем не менее, к счастью или к несчастью, давайте каждому оставим свой выбор. Пусть каждый сам для себя самостоятельно решает, шагнула ли фотография сегодня за пределы искусства, стала ли она массовым продуктом, причем не всегда даже хорошего качества, так как сегодня уже совсем не важно, какой аппаратурой ведется съемка и где она происходит, или по-прежнему остается одним из видов изобразительного искусства.

В наше время вот уже несколько лет некоторые фанаты фотографии и профессиональные мастера стали как бы отступать на шаг назад - возвращаются к съемке на фотопленку. А некоторые, впрочем, и не оставляли аналоговую фотографию. Плёнка и только плёнка - считают они. И никакой обработки на компьютере. Никакого графического редактора. Мастерство автора и его умение передать зрителю свой и только свой, личный, взгляд на те или иные вещи или события, запечатленные на фотографии.

Когда сегодня мы рассматриваем старые фотографии из семейного альбома, или архивные снимки, воспроизведенные в книгах и журналах и сравниваем их с современными, очень часто достаточно странными работами нынешних мастеров фотографического искусства, не нужно забывать о том, что фотография всегда вмещает в себя намного больше информации, чем та, которая бросается в глаза при первом беглом на нее взгляде. Личное отношение автора к снимаемому объекту, его личные ассоциации, особенности творческого видения и многое другое в рамках каждого конкретного снимка создают, организуют никем более не повторимый уникальный мир. Хорошая фотография - как академическое живописное полотно. При каждом новом возвращении к ней она дарит зрителю все новые и новые открытия.

Желание сохранить красоту быстротечной жизни создало удивительный вид искусства - фотографию. Ее историю многие сравнивают с увлекательным романом, действие которого разворачивается в декорациях различных исторических эпох и национальных культур. В своем стремлении к созданию точных изображений всего того, что нас окружает, человечество прошло долгий путь от примитивных наскальных рисунков до современной цифровой фотографии. История русской фотографии насчитывает более 160 лет. Русские фотографы, ученые и изобретатели своими открытиями внесли неоценимый вклад в развитие как отечественной, так и мировой фотоиндустрии. В небольшой статье невозможно назвать все имена и события, столь значимые для истории отечественной фотографии. Можно лишь с помощью отдельных штрихов указать путь, по которому шло ее развитие. Но перед этим, наверное, стоит упомянуть о нескольких фактах, без которых фотографии не было бы вообще.

История фотографии в России. Желание сохранить красоту быстротечной жизни создало удивительный вид искусства - фотографию.

Знакомство России с искусством фотографии состоялось в 1839 году. Член-корреспондент Академии наук России И. Гамель отправился в Англию для изучения метода калотипии. Оттуда он выслал в Академию наук подробное описание метода и несколько фотоснимков. В архиве Академии наук до сих пор хранятся 12 калотипов и на некоторых имеется подпись самого Талбота. Из Англии Гамель едет во Францию, где знакомится с Жаком Дагером и под его руководством лично выполняет несколько снимков. Для Академии наук Гамель приобретает аппаратуру и принадлежности для изготовления фотоснимков. В сентябре 1841 года Академия наук получила от Гамеля фотографию женской фигуры, которая, по его словам, была первым в мире фотоснимком, выполненным в Париже с живого человека.

В России благодаря непрерывной работе ученых и изобретателей искусство фотографии развивалось стремительно. На рубеже XIX - XX вв. русские фотографы полноправно участвовали в международных выставках и салонах, состояли членами международных фотографических обществ. При этом их работы получали самые престижные премии и награды.

Первым русским мастером, овладевшим методами калотипии и дагеротипии, стал московский гравер и изобретатель Алексей Греков. В июне 1840 года он открыл первый в России «художественный кабинет» для портретной фотосъемки, применив кресло с особыми подушечками для поддержки головы человека. Это позволяло получать резкие фотографии, в то время как другие фотографы терпели неудачу - выдержка при фотосъемке на солнце длилась 23 мин, а в пасмурную погоду достигала 45 мин. В апреле 1841 года Греков выпустил в свет брошюру «Живописец без кисти и без красок, снимающий всякие изображения, портреты, ландшафты и проч. в настоящем их цвете и со всеми оттенками в несколько минут».

Им был разработан способ повышения долговечности дагеротипного изображения на серебряной пластине при помощи гальванопластики. Кроме того, Греков первым в мире предложил с помощью той же гальванопластики наносить слой серебра на медные или латунные пластинки, что сделало дагеротипию более дешевой и доступной большему числу людей.

Следующим человеком, внесшим большой вклад в развитие русской фотосъемки, стал Сергей Левицкий. Первые фотографии были сделаны им на Кавказе. Его дагеротипы с изображениями Пятигорска и Кисловодска были отправлены на международную выставку в Париж, где получили золотую медаль. В 1847 году Левицкий для удобства наводки на фокус и облегчения фотокамеры начал использовать меха. Он же первым предложил изображать объект фотосъемки на фотографии в двух позах, иногда даже в разной одежде. Например, снимаемый человек разговаривал с самим собой, пожимая себе руку, или играл на пианино и слушал свою игру. Он также одним из первых фотографов в Европе ввел декоративные сменные фоны. Кроме того, Левицкий предложил ретушировать негативы для уничтожения или уменьшения технических недостатков. Для повышения технического уровня в области дагеротипии Левицкий в 1845 году уезжает в Италию. Там он снимает виды Рима и портреты русских художников, проживающих в Италии. По возвращении на родину он становится профессиональным фотографом и 22 октября 1849 года в Петербурге, напротив Казанского собора, открывает дагеротипную мастерскую под названием «Светопись». В 1867 году Левицкий открывает в Петербурге фотоателье, в котором была собрана богатейшая галерея портретов выдающихся русских писателей, художников и общественных деятелей. Здесь мастер проводил опыты по применению в портретной фотографии электрического света и по сочетанию солнечного света с электрическим.

Еще одним ярким мастером фотографии, стоящим наравне с Левицким, в 1850-е гг. был Андрей Деньер, выпускник Академии художеств, открывший в 1851 году в Петербурге «Дагеротипное заведение художника Деньера». Он первым создал альбом, в который вошли фотопортреты известных деятелей русской культуры: путешественников, ученых, врачей, артистов, писателей.

В 1887 году в России появился «Фотографический вестник» - первый журнал, посвященный вопросам фотографии. Идея его создания принадлежала почетному члену Императорского Русского Технического общества Павлу Ольхину. В этом журнале Ольхин помещал не только теоретические выкладки, но и практические рецепты, химические составы и методы обработки фотоматериалов. Все данные, попадавшие на страницы журнала, тщательно проверялись, так как в то время появилось множество шарлатанов, спекулировавших на огромном интересе к фотографии.

В 80-х гг. XIX столетия появляется жанр публицистического фоторепортажа. Его основоположником в России стал Максим Дмитриев, открывший в 1886 году свою мастерскую в Нижнем Новгороде. Наиболее известными являются его «Волжская коллекция», в которой представлены фотографии Волги, снятые от истоков до устья в среднем через каждые четыре версты, и альбом «Неурожайные 1891–92 годы в Нижегородской губернии». Он также создал альбом Всероссийской промышленной и художественной выставки 1896 года и фотопортреты А. М. Горького и Ф. И. Шаляпина.

Последние годы XIX столетия явились периодом широкого применения фотографии в науке и технике. В связи с этим необходимо упомянуть имя Евгения Буринского - основоположника русской судебной фотографии, с 1894 года - сотрудника Российской Академии наук.

Возглавив в Академии наук лабораторию по восстановлению древних письмен, он разработал уникальный метод выявления угасших текстов, состоящий в многоступенчатом повышении утерянного контраста на документе. В 1843 году при раскопках московского Кремля были найдены 40 документов, относящихся к XIII веку, написанных на сыромятных кусках кожи, на которых специалисты Академии так и не смогли обнаружить ни одной буквы. Оригинальная научная работа, проведенная Буринским по восстановлению «цветоделительным» способом «древних письмен», произвела в научной среде сенсацию.

Климент Аркадьевич Тимирязев был не только крупным ученым, но и фотохудожником, прекрасно владевшим техникой передачи красоты природы на фотографическом снимке. За серию совершенных и великолепных диапозитивов, на которых изображены растения и природа, он был удостоен серебряных медалей в 1895 году на Московской фотографической выставке, а годом позже - на Нижегородской всероссийской промышленной выставке. Кроме этого, Тимирязев, несомненно, являлся крупным мастером ландшафтной фотографии в России.

Климент Тимирязев (1843 - 1920)

Говоря о технических достижениях в области фотографии в России до 1917 года, можно назвать десятки имен русских изобретателей, получивших патенты на оригинальные фотографические приборы и материалы. Например, в 1854 году И. Александровский изобрел стереофотоаппарат. Подполковник российской армии И. Филипенко в 1885 году сконструировал фотоаппарат и устройство для проявления фотопластин на свету, которые помещались в небольшом чемодане. В 1894 году фотограф Н. Яновский изобрел фотографический аппарат, позволяющий представить движущийся объект в виде серии моментальных фотографий, отражающих отдельные фазы движения.

Особенно важным стало применение фотографии в военных целях. Возникновение воздушного фотографирования в России относится к 18 мая 1886 года, когда поручик русской армии А. Кованько в свободном полете воздушного шара произвел фотосъемку с высоты 800 метров в районе Петербурга. Были сконструированы аэрофотоаппараты с объективами, имеющими фокусные расстояния от 21 до 100 см, которые с успехом были применены во время русско-японской войны для уточнения топографических карт. Чуть позже, в 1890 году лейтенант русской армии Н. Апостоли для целей морской фоторазведки сконструировал двухобъективную фотокамеру, верхняя часть которой позволяла осуществлять наводку на резкость по матовому стеклу, а визирование проводилось во время фотосъемки нижней частью фотокамеры. Обе части камеры имели одинаковые фотообъективы, которые были взаимосвязаны между собой кремальерным устройством.

Многие русские фотографы-изобретатели стремились расширить возможности фотографии как вида искусства. В связи с этим необходимо вспомнить Ивана Болдырева. Изучая законы оптики и испытывая различные комбинации стекол, Болдырев достиг большого успеха. Во время поездки в Крым он испытал свой короткофокусный фотообъектив, позволяющий при портретной групповой съемке передавать не только линейную, но и воздушную перспективу, и получил хорошие результаты, о чем и сообщил фотографическому отделу Русского технического общества.

По рекомендации этого отдела фотообъектив Болдырева в 1878 году был испытан в фотоателье фотографа А. Деньера и показал удивительный результат. Однако чиновники отказали изобретателю в отправке «двухдюймового фотообъектива» на Всемирную выставку в Париж. Потерпев неудачу при внедрении в практику своего короткофокусного фотообъектива, Болдырев занялся разработкой гибкой прозрачной «смоловидной» пленки взамен бьющегося стекла, которое являлось основой для фотопластин. Это изобретение демонстрировалось на Всероссийской промышленной выставке в 1882 году, но эксперты, представлявшие бюрократическую верхушку, не заметили его. Кроме того, Болдырев в 1889 году сконструировал точнодействующий моментальный фотозатвор для объектива, который на заседании Русского технического общества в 1889 году был признан «лучшим из всех имеющихся в продаже». С помощью своего короткофокусного фотообъектива и моментального фотозатвора И. Болдырев достиг заметных успехов при фотосъемке пейзажа из окна вагона поезда и портретов.

Среди фотографов-художников начала XX века выделялся своими жанровыми снимками на темы крестьянской жизни Сергей Лобовиков. Будучи участником многочисленных международных выставок, он удостоился наград на Всемирной выставке в Париже, первой Международной выставке фотографии в Петербурге, Дрезденской выставке (1909), в Будапеште (1910), на Гамбургской фотовыставке. Фотомастер был членом-корреспондентом Дрезденского общества развития фотографии, а в 1910 году стал почетным членом Лондонского фотографического салона.

В первом десятилетии прошлого века большой вклад в русскую портретную и жанровую фотографию внесли многие известные и талантливые фотографы: К. Даутендей, В. Каррик, К. Бергамаско, К. Шапиро, М. Панов, Д. Никитин, А. Бунте, М. Ревенский, И. Хмелевский, Н. Чарушкин, А. Карелин, С. Соловьев, Н. Барщевский, А. Трапани, С. Лобинов, К. Булла, Н. Свищов-Паола, М. Наппельбаум и др. В начале XX века в работах фотомастеров все еще заметно влияние живописи. Подтверждением этому служит необычайная популярность в России так называемых «крашенок» (раскрашенных фотографий). Раскраска проводилась вручную с помощью кисти и красок. Она приближала фотографии к любимому народом жанру портретной миниатюры.

В советское время раскрашивание черно-белых фотографий приобрело определенный смысл. Раскраска, предназначенная для тиражирования, становилась идеологическим инструментом. Ярким примером этому служит «Портрет И.В. Сталина» (фотограф И.Шагин, художник В. Семенов, после 1945 года). Этот портрет был широко известен во всем мире, в СССР он расходился миллионными тиражами. Везде он аннотировался как фотография, но именно живопись художника, сгладившая оспины лица «вождя народов», придавшая ему здоровый румянец и золотистый «божественный» оттенок кожи, формировала образ. Но зритель доверял фотографии, фотографическая основа рождала уверенность в правдивости изображения.

Изготовление крашенок стало своеобразным бизнесом для провинциальных фотографов, которые переснимали старые маленькие фотографии на большой формат и раскрашивали их анилиновыми красителями, удовлетворяя желание заказчиков превратить разрозненные портреты родственников в семейный пантеон. В этих крашенках образ распадался на две составляющие, документальную основу, часто очень неважного качества, и анилиновую розово-голубую идиллию, напоминающую по колориту церковные росписи XIX века.

В конце 1930-х гг. российская фотография оказалась в том же плачевном положении, что и вся российская культура. Железный занавес наглухо изолировал ее от международной художественной жизни, а внутри страны социально поощряем был лишь соцреалистический фоторепортаж, призванный обслуживать тоталитарную государственную систему. Расцвет «искусства» ретуши фотографии совпал с уходом со сцены всех основных направлений русской художественной фотографии.

Современная российская фотография - понятие непростое. Если фотография советского периода 1970–1980-х гг. еще поддается систематизированному анализу (чаще всего в тесной связи с социальной атмосферой в стране тех лет), то фотография сегодняшних дней до сих пор практически никак не позиционировалась. Между тем, вторая половина 1990-х гг. является очень важным периодом фотографической ситуации в России.

На это время в жизни страны приходятся перемены, напрямую на ней сказавшиеся: прорыв в отечественное культурное пространство «либеральных ценностей» через современное западное искусство, кинематограф, телевидение, глянцевые журналы. Появилась возможность сравнивать, выбирать и делать выводы.

Вообще-то рейтинги – вещь не благодарная и очень субъективная. Подводя лучших из лучших в рейтинговые списки, мы все равно пользуемся каким-то своим внутренним камертоном. Мы тоже решили сделать свой собственный рейтинговый список 10 величайших советских фотографов, по версии сайта .

Сразу отметим, что в списке будут присутствовать несколько фотографов, которые работали задолго до образования Союза Советов, однако, их влияние на развитие фотографии, как советской, так и мировой, настолько велико, что ни сказать о них было просто нельзя. И еще, учитывая субъективность данного списка, мы постарались отразить в нем ярчайших представителей в каждом отдельном фотографическом жанре.

Первое место нашего рейтинга, бесспорно, принадлежит . Это величайший деятель культуры и искусства. Его влияние на развитие советского искусства невозможно переоценить. Он сконцентрировал на себе все изобразительное искусство молодой страны советов – был и скульптором, и художником, и графическим дизайнером, и фотографом. Считается одним из основателей конструктивизма. Родченко – фигура универсальная и многогранная. Он стал действенным импульсом для развития фотографии и дизайна. Его приемами конструктивного построения фотографии пользуются, как канонами.

На второй позиции разместился русский фотограф начала 20-го века – Георгий Гойнинген-Гюне. Не смотря на то, что всю свою профессиональную жизнь и деятельность Георгий провел во Франции, Англии и США, но все-таки, по происхождению он русский. И в данном случае он служит примером, того, как выходцы из России добивались признания и успеха за рубежом. Георгий является одним из величайших модных фотографов 20-30-х годов. К 1925 году становиться главным фотографом французского Vogue. В 1935 – американского Harper `s Bazaar. В 1943 – выходят две его книги, после чего все его фотографическое внимание концентрируется на Голливудских знаменитостях.

Вклад Сергея Прокудин-Горского в развитие фотографического искусства – велик. Прокудин-Горский был химиком и фотографом, и занятие одни помогало усовершенствовать – второе. Вошел в историю, как первый экспериментатор, предложивший возможность создания цветной фотографии в России. Метод обретения фотографии цвета, которым пользовался Прокудин-Горский, был не нов. Его еще в 1855 году предложил Джеймс Максвелл, он включал в себя наложение трех негативов, где каждый пропускается через фильтр определенного цвета – красный, зеленый и синий. Три эти негатива накладываясь друг на друга, в проекции дают цветное изображение. Сегодня, благодаря Прокудину-Горскому у нас есть возможность увидеть Россию начала 20-го века в цвете.

Продолжает нашу десятку великих – советский военный фотограф, автор двух величайших, знаковых фотографии Великой отечественной войны – «Первый день войны» и «Знамя над Рейхстагом» – Евгений Халдей. Как военный фотограф, Халдей прошел всю Великую отечественную, и наиболее значимые его работы были сделаны в период с 1941 по 1946 года. Фотографии Халдея переполнены чувством исторической важности. Не секрет, что многие работы фотографа, в том числе и работа «Знамя над Рейхстагом» были постановочными. Халдей считал, что фотография должна максимально полно передать дух времени и события, потому, спешка была ни к чему. К созданию каждый работы автор подходил ответственно и основательно.

Продолжает наш список классик фотографической публицистики – Борис Игнатович. Игнатович был близким другом и соратником Александра Родченко, вместе с которым в конце 20-х годов организовал фотографическое объединение Группа «Октябрь». Это было время стремлений и поиска новых форм. Творческие люди, как правило, плодотворно занимались в нескольких направлениях одновременно. Вот и Игнатович – был и фотографом, и фотокорреспондентом, и документалистом в кино, и журналистом, и иллюстратором.

Далее следует величайший советский фотопортретист – . Наппельбаум вошел в историю фотографии, как непревзойденный студийный фотограф-портретист. Наппельбаум – мастер композиционного решения, удивительно и самобытно подходил к световой композиции, при которой, всё внимание зрителя аккумулируется на портретируемом. Как и в случае с , через студию которого прошли все зарубежные знаменитости 20 века, так и сквозь объектив Наппельбаума прошли величайшие представители страны советов, вплоть до Владимира Ильича Ленина. Наппельбаум пользовался огромной успехом и популярностью хорошего фотографа. Примечательно, что именно его пригласи сфотографировать место смерти великого русского поэта – Сергея Есенина.

Продолжает нашу десятку великих советских фотографов первый русский фотограф-пейзажист – Василий Сокорнов. Один из первых пейзажистов, который на фотоаппарат запечатлел красоту Русской природы, и в первую очередь Крыма, был художник, по образования, и фотограф, по призванию – Василий Сокорнов. Работы Сокорнова пользовались огромной популярностью уже при жизни фотографа. Так же как и работы , который всю свою жизнь фотографировал природу Виржинии, работы Сокорнова, в основной своей массе, посвящены Крыму. Они печатались в журналах и открытками разлетались по всей России. Сегодня считается, основным летописцем Крымской природы первых десятилетий 20-го века.

Основоположник Русской, советской публицистической, социальной фотографии – Максим Дмитриев, занимает восьмую позицию нашего рейтинга. Жизнь и творчество Дмитриева – это история невероятного взлета и такого же невероятного падения. Выходец из Тамбовской губернии, ученик церковно-приходской школы, к началу 1900-х годов, Дмитриев становиться ведущим фотографом Москвы. Основатель фотоателье, через которое проходят ведущие люди времени – Иван Бунин, Федр Шаляпин, Максим Горький. Но мы любим и помним Дмитриева за его летописные фотографии Поволжья. В них сосредоточена самобытная и жизнь и уклад России, умело подмеченный гениальным фотографом. Падением Дмитриева стал приход к власти большевиков и повсеместное раскулачивание. К началу 30-х годов, фотоателье художника была отобрано, вместе с более чем семью тысячами великолепных краеведческих фотографий.

Выставка «Японский сувенир» - это современный взгляд на фотографическое наследие эпохи Мейдзи (1865–1912). Именно в этот исторический период Япония стала доступна для иностранцев после двухсотлетней изоляции.

Часть выставки посвящена студийным и пленэрным работам профессиональных японских фотографов: Кусакабэ Кимбэя, Уэно Хикомы, Огавы Кадзумасы. Их имена вписаны в «золотой фонд» мировой фотографии последней трети XIX века.

Также на выставке представлены работы знаменитых европейских авторов, которые работали в Японии: Феличе Беато, Адольфо Фарсари, Раймунда фон Штилльфрид-Ратеница, их японских учеников и коллег.

До 1859 года иностранцам не разрешалось работать на территории страны Восходящего солнца. Лишь с 1868 года, при правлении императора Муцухито, европейские фотографы смогли открыть собственные студии в некоторых городах Японии.

Первопроходцем, впервые открывшим Японию для мировой фотографии, можно считать Феличе Беато. Фотографические портреты «бидзин» (прекрасные женщины), городские и сельские типы, жанровые сцены и даже пейзаж - все эти «картины переходящего мира» роднят японскую фотографию с гравюрой. Как и гравюра, альбуминовые отпечатки были раскрашены. Поскольку первые видовые фотографии Японии были выполнены итальянскими, французскими и английскими фотографами и предназначались для западных покупателей, построение кадра, в отличие от студийной, достаточно плоскостной, съемки, порой поражает своей глубиной, но в отличие от японской гравюры не отягощено деталями.

Роспись зонтов
Кусакабэ Кимбэй
1880-е - 1890-е

Статуя Будды в Камакуре
Огава Кадзумаса
1890-е

Гейша в паланкине-каго
Шинисэ Судзуки
1890-е

Японские девушки за обедом
Неизвестный автор

Вид на залив Кашивабара и гору Фудзи
Неизвестный автор
1890-е

Многоликая Россия

Россия - древняя страна с многовековой историей, отметившая в 1862 году свой тысячелетний юбилей. В проекте «Многоликая Россия» представлены архивные фотографии XIX века: видовые и жанровые снимки, портреты людей и кадры с изображениями архитектурных памятников русских городов. Передавая этническое и культурное разнообразие страны, фотографии складываются в объемный исторический образ России.

Проект включает архивные фотографии из коллекции Государственного музейно-выставочного центра РОСФОТО, запечатлевшие виды крупных городских центров Российской Империи: Петербурга, Москвы, Новгорода, Архангельска, Ростова - и аутентичную жизнь национальных окраин. Видовые, этнографические и портретные снимки отражают культурное и социальное разнообразие многонациональной страны. Исторические и архитектурные памятники, строительство транспортных магистралей, национальные костюмы и обряды - это и многое другое на снимках лучших фотографов своего времени составляет панораму образов многоликой России.

Работы Ивана Барщевского, ателье «Буассона и Эгглер», Максима Дмитриева, Дмитрия Ермакова, Вильяма Каррика, Альфреда Лоренса, графа Ностица, Якова Лейцингера и многих других - с исторической точностью и художественной выразительностью передают разнообразие жизненного уклада населения российского государства во второй половине XIX - начале XX века.

Ателье «Левицкий и сын»
Великая княгиня Ксения Александровна с Великим князем Александром Михайловичем и императором Николаем II
Санкт-Петербург, 1894

Фото Роджера Фентона

На изобретение фотографии художники отреагировали по-разному. Главным камнем преткновения в спорах о художественной природе фотографии и роли фотографа как художника, творца произведения искусства, стала необыкновенная точность в передаче деталей, точность, с которой не мог бы соперничать самый искусный живописец. Одни восторженно приветствовали светопись, другие, напротив, видели в фотоаппарате предмет, бесстрастно фиксирующий действительность без всякого приложения рук человеческих. Но на заре своего существования фотография не претендовала на то, чтобы быть произведением искусства, и до конца 1840-х годов нельзя говорить о намеренном фототворчестве.

Однако развитие фотографических техник благотворно отразилось на отношении художников к светописи и первых попытках создать произведения фотоискусства. Художественные круги с одобрением отнеслись к появлению в начале 1840-х годов методик И. Байяра и Г. Ф. Толбота. Многочисленные фотографические общества, организованные в 1850-х крупными английскими и французскими фотографами, возглавили борьбу за фотоискусство. По инициативе фотографических обществ были устроены первые выставки, посвященные фотографии, начали издаваться первые фотографические журналы.

В 1851 году во Франции было создано Гелиографическое общество, одним из основателей которого стал живописец Э. Делакруа. Три года спустя это объединение преобразовалось во Французское общество фотографии, существующее и по сей день. Неоценимый вклад в развитие художественной фотографии внесла Англия, где в 1853 году был учреждено Лондонское фотографическое общество и примерно в это же время возникло течение «За высокое искусство фотографии». Современниками этого течения были прерафаэлиты, восхищавшиеся светописью именно из-за ее высокой точности, которая в то время считалась недостатком в художественной фотографии.

Некоторые художники всерьез заинтересовались новинкой, и среди них стоит назвать Д. Рескина, Д. Г. Россетти, Ж. Энгра. Правда, потом от первоначального восхищения у многих не осталось и следа. Например, Д. Рескин, высоко оценивший появление светописи в 1840-х, в своих «Лекциях об искусстве» в 1870 году писал: «…Фотографии нимало не превосходят изящные искусства ни качествами, ни полезностью, потому что по определению искусство есть „человеческий труд, руководимый человеческим намерением”».

В XIX веке художественная фотография пыталась подражать живописи в классической композиции пейзажей, натюрмортов, портретов; так же как и живопись, черпала вдохновение в легендах (например, фотографии прерафаэлитов и близких к ним фотографов), создавала аллегорические композиции (в этом жанре особенно преуспел англичанин О. Г. Рейландер). Подражание живописи во многом служило фотохудожникам своеобразной формой протеста против прямой фиксации событий, натуралистического копирования действительности с помощью фотографической техники. Приемы живописи стали для фотографии дорогой к достижению художественности, образности картин.

К середине 1920-х годов пикториальные (картинные, подражающие живописи) направления исчерпали свой эстетический потенциал. Постепенно фотография находила собственные выразительные средства: изобретенный еще в 1851 году фотомонтаж позволил осуществить самые смелые идеи авторов, а в 20-х годах XX века фотографы стали активно экспериментировать с ракурсами.